Tres lecheras sin cuento

A veces una sale de ver una función con sensaciones dispares: con placer pero también con el estómago presente… ¿No os ha pasado nunca? Si vais a ver Leche puede que os suceda. La compañía Yo, erótica presenta este montaje, dirigido por Camilo Vásquez, nacido de su condición de grupo de investigación teatral. Más concretamente Leche pone como eje ese líquido blanco, vital, en seis pequeñas piezas. Lo que surge en cada una de ellas es una historia diferente pero conectada a través de la leche animal, el semen y la leche materna.

Puede que el lugar donde se representa (Espacio 8, una galería de arte) les ayude, pero de por sí la obra tiene arraigada una enorme plasticidad, desde la primera pieza (el nacimiento de un animal) hasta un baño sanador de leche, pasando por el diálogo entre una pintora y su cuadro, que va gestándose en directo.

Las actrices Ángela Boix, Ángela Villar y Eva Llorach se desprenden de todo artificio para entregar al público un trozo de carne y poesía. Poco texto, una comunicación en ocasiones primitiva, conectada a ese poder que otorga “la vía lactosa” como ellas dicen. “En algunos pasajes el texto sí está más fijado, pero en otros no, hablamos de cómo nos sentimos en ese momento, de lo que hay aquí y ahora” cuenta Ángela Villar.

No existen tabúes. Una maternidad descalabrada (interpretada con una fragilidad exquisita por Ángela Boix) no está en el imaginario de un espectador común, pero por eso vamos al teatro, para que nos despierten ideas dormidas de vez en cuando.

No siempre se pueden (o se deben) catalogar las cosas, pero me atrevo a decir que esta propuesta está cerca de la belleza violenta. Violencia de exhibir ideas sin tapujos, de mostrar la herramienta del cuerpo, de incomodar con un buen fin. Es necesario que arriesguemos así, brindemos con un buen vaso de leche.

Leche, de Yo, erótica. 21 y 28 de marzo a las 21:30h. Espacio 8 (C/ Santa Ana 8, Metro La Latina. Madrid). Reservas en yo_erotica@hotmail.com, http://www.facebook.com/Yoerotica o @Yo_erotica. (Aforo limitado)

Esta reseña también está publicada en la revista El Duende: http://www.duendemad.com/elduende%20-%20Copy/index.php?q=node/3363

Una terapia infalible

Entro en el teatro y Pilar Gómez ya está en el escenario. Se prepara pero no hace grandes aspavientos (de esos que algunas veces repelen tanto a los que no son actores). Ella está nerviosa y se mentaliza de que todo va a salir bien.

Sin trampa ni cartón la actriz conversa consigo misma, o con el público, para acercarnos sus inquietudes, sus miedos. Mejorcita de lo mío es un compendio perfecto entre fragilidad, poesía y humor cotidiano.

El espectáculo es una perfecta radiografía de un momento vital de la actriz, es de una generosidad inmensa que lo comparta con nosotros, pero para ella cada función es un bálsamo que sirve para limpiarse (literalmente) de aquello que no entiende, que no le sirve. Un recorrido por anécdotas, preguntas y nostalgia que se suman en un final catártico pero muy dulce.

Vuelvo a casa. Ahora me siento más valiente. “Yo quiero que todo el mundo esté bien… pero yo también”, un buen mantra.



Mejorcita de lo mío
Una conversación de Pilar Gómez dirigida por Fernando Soto
Hasta el 31 de enero en el Teatro Arlequín (Madrid)

Arnold...

Siempre que alguien me pregunta de qué da clases Arnold me quedo un rato en silencio, los ojos buscan respuesta y al final siempre digo... tendrías que verlo.

El otro día acudí a la presentación del documental "Dos palmas", una producción de La Noche Tuerta, que atraviesa la figura del mítico maestro de teatro, de movimiento, de la vida, Arnold Taraborrelli.

En el coloquio que guiaba Juan Pastor se encontraban actores y actrices como Carlos Hipólito o Carmen Machi y por supuesto, en el centro, Arnold. De repente, sus alumnos (muchos de ellos de ellos asisten a sus clases desde hace más de quince años) irrumpieron y le dedicaron este homenaje. Hasta que podáis ver el documental es una buena muestra de qué son las clases de Arnold:

El Libro Rojo de las Artes Escénicas

Es ya la tercera vez que lo hacen. Cada octubre, la revista madrileña El Duende, recoge entrevistas, reportajes y reseñas de lo mejor de la escena que pasa por nuestro país.
El libro cuenta con una portada, contraportada y guardas del magnífico Ricardo Cavolo. Si podéis pillar el libro mejor porque es precioso, pero para aquellos que estén lejos les ofrezco este enlace de la versión digital donde podrán encontrar todo el contenido.

Yo he tenido el placer de redactar algunos de los textos del apartado "Entremeses", aquí están:

Entremeses parte I
Entremeses parte II
Entremeses parte III

De abades y abadesas

Cuando me aceptaron para participar en el Taller de jóvenes actores de Teatro de la Abadía pensé en muchas cosas: en que tenía que poner el modo esponja on, en que se me haría más corto el verano (y menos mal porque no me gusta demasiado) y en escribir una reseña en mi blog.

Ahora, que ya ha terminado el taller de tan solo 15 días, no sé qué escribir, y eso que he estado como oyente (acepté porque el año que viene ya no seré "joven").

Hemos sido veintinueve alumnos, cuatro oyentes y veinticinco kamikazes guiados por profesionales del teatro como Lidia Otón, Elisabeth Gelabert, Daniel Moreno y Miguel Cubero. Ya nos lo dejaban claro desde el principio: "De aquí no vais a salir mejor actores, ni peores. Vais a aprender herramientas, tomadlas".

Hemos tenido la suerte de dar con un grupo generoso, valiente, creativo. Las clases han estado impregnadas de luz, de un sol gigante, de miel. No, no estoy escribiendo poesía ni me pongo mística. El trabajo que nos han enseñado se basa en la técnica de Michael Chéjov y decir Chéjov es decir imaginación. El poder de la visualización es muy importante para crear atmósferas e imágenes muy potentes. 

Aunque los días se han dividido por materias diferentes (técnica Chéjov, movimiento escénico y palabra) todos los ejercicios han sido psicofísicos, conjugando cuerpo y voz. Los tecnicismos podéis encontrarlos en un libro fundamental y muy recomendable: Sobre la técnica de actuación (M. Chéjov). 

En La Abadía tienen amor y respeto por el teatro. Todo ha sido fácil. Si ha habido emociones han surgido a partir de ejercicios básicos (movimientos de los que se extrae una sensación. Esa sensación te provoca un sentimiento y su evidencia es la emoción). Ha sido un espacio para disfrutar, no para sufrir. Hay que "registrar" lo vivido y limpiarnos, aunque luego puedan servirnos para trabajar un personaje o una escena en concreto.

Los profesores han insistido mucho en que seamos concretos y precisos y es que como decía M. Chéjov "Cada movimiento que hago es una pequeña obra de arte".

Gracias por esta comunión teatral. Ha sido precioso

"No soy un fanático de la psicología con los actores" (Declan Donnellan)

Con motivo de la estancia de la compañía Cheek by jowl en Madrid por su actuación en las Naves del Español con "'Tis pity she's a whore" ("Lástima que sea una puta"), ayer asistí al encuentro con su director, Declan Donnellan. Una buena oportunidad para escuchar a este escritor, dramaturgo y director que lleva más de treinta años al mando de una de las compañías más importantes del teatro inglés contemporáneo.

Durante una hora respondió a unas preguntas que formulaba el público. Habló de la trayectoria de Cheek by jowl, de la elección de los textos, y cómo no, del trabajo con los actores. Donnellan no es muy fan del psicodrama, le parece obsceno rebuscar entre las profundidades más miserables del actor. Prefiere trabajar ideas más concretas con ejercicios (muchas veces físicos) para llegar a una imagen clara y precisa de lo que dice el texto.

"Me parece absurdo investigar por qué Julieta ama a Romeo. Además, si la actriz que la interpreta sabe por qué está enamorada de Romeo... estamos ante un desastre".

Lo que quedó claro es que lo imprescindible para Donnellan es sentir vida en lo que está pasando. "No me interesa ser interesante, sólo quiero que mi trabajo esté vivo. Y en el teatro vosotros (el público) está contribuyendo a la vida".

El sábado voy a ver "'Tis pity she's a whore", mi primer montaje de esta legendaria compañía.

Mamet dice:

El teatro es un arte comunitario (...) Cuando uno entra en el teatro, debe estar con el ánimo dispuesto a decir: "Nos hemos reunido todos aquí para experimentar una comunión, para descubrir de una vez qué está pasando en el mundo". Sin esta disposición se obtiene entretenimiento y no arte (y un entretenimiento bien pobre, por cierto).

Los tres usos del cuchillo, David Mamet.

Dans le estudio de Arnold

Ya he hablado alguna vez de Arnold Taraborrelli, el maestro de movimiento que conocí en Layton.

Encontré hace poco un pequeño documental sonoro, realizado por Déborah Gros. Podéis escucharlo aquí: http://deborahgros.com/2011/08/18/dans-le-studio-de-arnold/

¡Y ya para rematar este vídeo!

"Urtain" en Estudio 1

Disfruté de ella en su estreno en la temporada 2008/2009 del Valle-Inclán de Madrid. Arrastré a unos buenos amigos al año siguiente para verla en el Teatro Central de Sevilla. Ahí me gustó aún más. A la salida éramos cuatro corazones parados, callados, con los ojos rojos. Silencio durante muchos minutos.

Mañana Estudio 1 estrena "Urtain" (Cía. Animalario) a las 22,00h en la 2. No sé cómo será la adaptación para televisión, pero no puedo hacer otra cosa que recomendarla. La dirección de Andrés Lima rueda perfectamente como una noria y la interpretación de Roberto Álamo no te suelta hasta días después.

Podéis leer aquí la noticia.

Vuelve el radioteatro

El teatro vuelve a la radio. Tenemos hasta febrero para disfrutar de estas grabaciones de adaptaciones teatrales en RNE.

Reconocidos dramaturgos inician un ciclo de teatro radiofónico

Juan Mayorga (Premio Nacional de Teatro 2007) y José Sanchis Sinisterra, dos reconocidos y premiados dramaturgos del teatro español contemporáneo, junto a Alfredo Sanzol, director y actor teatral, y la emergente Vanessa Montfort, que se ha formado en el Royal Court Theatre de Londres, serán los primeros en intervenir en el proyecto de recuperación de un género perdido en España, el de la ficción sonora. Lo harán con otras tantas obras de teatro adaptadas especialmente para este medio y, en algún caso, especialmente escritas para él. Estas piezas, con una duración de entre 15 y 25 minutos de duración, se emitirán hasta el 5 de febrero de 2012 en todas las emisoras de RNE: Radio 1, Radio Clásica, Radio 3, Radio 5, Radio Exterior. La emisión, que comenzó el sábado 3 de diciembre en RNE, llega esta semana a Radio 3, que se emitirán dentro del programa cultural La nube (22.00). Hoy llega La foto del aviador, de Sanzol, mañana Mal dormir, de Sanchis Sinisterra y el jueves La cortesía de los ciegos, de Montfort.

Podéis leer la noticia entera aquí.

No está de más

Hoy este blog cumple 4 años.
No he preparado nada especial, pero por casualidad hoy me he encontrado con un vídeo que ahora os muestro. A estos concursantes de "Atrapa un millón" (Antena 3), no les hubiera venido mal tener algunas nociones teatrales (aunque también unas clases de lógica y estadística a la hora de apostar).

¿Por dónde tirar?

Carlos Gil Zamora ha escrito en su columna de opinión de Artezblai ("Y no es coña") algo interesante, delicado y que me hace preguntarme muchas cosas. Copio y pego:

Un brindis

Los taurinos saben que hacer un brindis al sol, es decir, a las localidades más baratas, generalmente ocupadas por público de aluvión, en las plazas de toros con corridas feriales, es una especie de demagogia, que la faena del torero va a estar cargada de gestualidades y simulacros que podrán levantar los ánimos de los ocupantes de la solanera, generalmente poco exigentes, y que en suma de pañuelos como símbolo de petición de oreja puede decantar la voluntad del presidente para concederla y acabar en la estadística con una buen resultado, aunque la matización de la crónica sea contraria y descubra todos los defectos de la faena premiada.

Pues bien, cada vez que uno acaba su presencia en un encuentros, festival, feria o muestra, en ese brindis final en que florecen las buenas voluntades, los deseos y las frases de manual, siente que se están realizando brindis a sol, que nadie sabe si ese brindis de despedida del evento de este año, va a ser, a la postre, el brindis final, el último de la historia. Y es que los antecedentes no son nada halagüeños, y de los discursos electorales poca claridad se puede sacar. Estamos ante una crisis de ideas, con un sistema cultural basado en el esfuerzo económico controlado desde las instituciones en todos sus niveles, sin una profesión en forma para afrontar otras maneras a corto plazo y con unos receptores, los públicos, muy desconcertados, y sin ninguna organización que los represente y que se convierta en una portavocía referencial.

Por lo tanto debemos seguir haciendo brindis al sol, apelar a los públicos de la solanera porque creemos que son los que nos van a responder sin exigencias de ningún tipo siempre que el producto que se les ofrezca tenga los ingredientes adecuados, en forma de obra divertida, con la palabra sexo en el título y un reparto corto, pero lo más televisivo posible. Este es el mercado, y si nos atenemos a los acontecimientos sucedidos en la última época, esa parece la pauta en la que se mantendrá parte de la programación, porque, entre otras cosas, es con este tipo de producto con el que se puede mantener una relación porcentual, es decir cubrir costes con los ingresos por taquilla.

Vemos como desaparecen los festivales, las programaciones que durante el último quinquenio o década han ido alimentando un tipo de compañías, performers, creativos que se instalaban en la vanguardia o la experimentación. Van desapareciendo y difícilmente se repondrán, por lo que el panorama va a ser todavía mucho más gris. Quizás aprendamos algo de esta debacle, y en el campo del teatro y la danza más emergentes, más abiertos, más supuestamente innovadores, se deberá tomar buena nota de que no ha funcionado de la manera adecuado su relación con los nuevos públicos. No se han aposentado, quizás no ha existido tiempo, pero por momentos ha parecido que se trataba de ser los más novedosos, los más extravagantes, sin importar nada la relación con su entrono. Demasiado casual casi todo, dejando una sensación de que cualquiera podía hacer cualquier cosa. Es decir, no se exigió el rigor adecuado, no se creó el ambiente propicio para el crecimiento, ni se optó por discriminar aquello que era una simple parodia, una repetición de asuntos ya transitados hace mucho tiempo, y se fió todo a una suerte de autopropaganda, en la que se transmitía la idea de que las cosas eran buenas simplemente porque se hacían, y más si se hacían en unos lugares y unos festivales específicos bien bendecidos económicamente por la autoridad competente que intentaban crear castas y escuderías muy bien relacionadas con los poderes.

Es necesario que existen campos abonados para la experimentación y la creación fuera de las órbitas académicas o sectarias, pero se debe también regular este tipo de propuestas para que no sea un territorio muy propenso al capricho, el ombliguismo y la devaluación del propio hecho artístico.

Lo incuestionable es que nos empobrecemos cada vez que se acaba con un festival, una sala, una propuesta de esas características. Y, que conste, nos empobrecemos todos. Los que las aplaudimos, las seguimos, las criticamos desde la igualdad y el respeto o los que las repudian simplemente por no entenderlas. Vaya este brindis por la biodiversidad en nuestros escenarios, en nuestra educación artística, que de ahí vienen muchos de los problemas, y en todo el sistema. Va por ustedes.

En definitiva la lectura que yo hago es que desde la creación se debe tener en cuenta, ahora más que nunca, la reacción del público para saber por dónde seguir para enriquecer el tejido escénico. Pero ¿no es un arma de doble filo?, ¿no hay que tener cuidado para no fabricar productos seriados sin ningún tipo de esencia? ¿Dónde está el límite?

El viaje del centauro, el sexo y la fiesta del amor

Estar entre amigos siempre es algo excitante, algo por lo que deberíamos estar agradecidos. Ayer acudí con amigos a un espectáculo de amigos hecho para ver entre amigos. "Mala suerte o falta de talento", última producción de Mopa, se estrenó este fin de semana en el Teatro Central (Sevilla) y ha sido una fiesta.

Dicen ellos que "es un espectáculo con música en directo que versa sobre el Amor. Inspirados en bailes de extrarradio (el daggering, el kuduro, el choque, el footwork o el krumping,... ) los personajes juegan, se arriesgan y trabajan con referencias musicales, geográficas y de color para contarnos una historia de amor como en las películas de aventuras."

El show, basado en una pieza breve de Juan Luis Matilla y Raquel Luque ganadora del primer premio del certamen coreográfico de Madrid 2009, fue un recorrido de montaña rusa.

Al principio (para mí lo mejor) nos llevaron a lomos de un monstruo híbrido formado por Juan Luis y Raquel, a mí me pareció un "sagitario", un centauro, un ser mitológico que prende un camino a veces angustioso, a veces cómico. Un trabajo corporal asombroso, chocante, sobrio, sin música. Solo ellos, para qué más.

Luego, tras someternos al mundo "Star wars" donde son Leia y Han Solo, es el turno de compartir el juego con dos personajes inquietantes (Roberto Martínez y Eloísa Cantón), quién sabe a lo que vendrán, pero bienvenidos sean. Después de pruebas, partidas de videojuegos, bacanales orgiásticas (en las que eché de menos sexo homosexual femenino, por decir algo) y por supuesto mucho humor, los chicos de Mopa se despojan, parece que descansan unos segundos y, cuando te pillan quizás desprevenido, se te agarran a las entrañas, o a la boca del estómago. Te cantan debajo de un cactus al son de una concertina y un bajo, mientras en la pista de baile dos cuerpos antitéticos se están enamorando.

Entre todos forman un cuarteto surrealista, antibucólico, bufo y maravilloso. Creo que es muy importante que alguien al salir al escenario lo llene, que incluso sin hacer nada te transmita algo. Ellos lo hacen por descontado. Enhorabuena. Estoy segura de que eso habrá estado del lado de Fran Torres, cuya dirección queda implícita, y sabe darle forma al raudal de propuestas que han tenido que ser esos ensayos. Al igual que la asesoría musical, la iluminación y el sonido, que podría haber corrido a cargo de cualquiera, pero con Benito Jiménez mucho mejor y así todo queda en familia. Porque, volviendo al principio, y como decía alguna amiga en la cena después del espectáculo, no importa dónde empieza o dónde acaba, lo fundamental es que es una creación colectiva donde todos hacen todo, porque son una familia, son amigos.

Sofía decía que lo que más le sorprendió es que la pieza le resultó ser una metáfora de cómo consumimos. Y yo ahora, después de pensarlo más tranquilamente, reconozco eso sobre todo en las transiciones de un momento a otro, todo estaba lleno de fades en los que "la fiesta" nunca decaía y que imagino que eran fruto de la desvariación, de estirar una misma cosa, hasta convertirla en otra. Era todo un"re-enganche", un ensamblaje.

"Mala suerte o falta de talento" es posible precisamente por lo contrario a su título. Ayer vimos a unos chicos que rebosan ingenio y que como decía mi amigo Fran, apuestan por restar solemnidad a la danza, al teatro. Ellos pueden permitirse hablar de lo que quieran, tienen mucho detrás y saben lo que hacen o al menos lo que pretenden. Ésa es la diferencia entre tener talento o hacer el mamarracho.

"Oleanna", en el Teatro Español

Muy recomendable... ya no por el texto, sino por la brillante actuación de José Coronado e Irene Escolar.

"Es una obra para dos personajes cuyo tema, a primera vista, parece centrarse en la lucha de poder entre un profesor universitario, a punto de alcanzar la cumbre de su carrera, y una de sus alumnas. La obra, sin embargo, aborda de manera sutil, como en tantas otras obras de Mamet, otras cuestiones quizá no tan evidentes pero que tienen especial relevancia para su autor. Entre ellas, por ejemplo, el acceso universal a la educación universitaria, el lenguaje políticamente correcto, las políticas de género existentes en las instituciones públicas, etc”

Vuelve "Pornografía"

Allí te espero!
http://ciablablabla.blogspot.com

Buscando a Julieta

Curso "La palabra en Shakespeare" con Will Keen. Escénica Sevilla. Diciembre 2009.

Curso de especialización en teatro musical

Toda la información en www.centrodeartesescenicas.com

In memoriam. William Layton

Cito este texto de Paz Mediavilla para la revista Babab, en el que habla de William Layton. Yo no tuve la suerte de conocerlo, intenté ver su legado, pero lo que yo vi fue otra cosa.

"En noviembre de 1993 tuve la oportunidad de hacerle la que sería su última entrevista al maestro William Layton. Unos meses después puso fin a su vida en su casa de Madrid. Tenía 82 años de edad. Esta decisión suya fue muy dolorosa para todos los que eran cercanos a este gran hombre de teatro, pero a su vez respetada porque su vida siempre fue un acto de responsabilidad consigo mismo y, lamentablemente para nosotros, él decidió suicidarse cuando todavía, pese a su avanzada edad, continuaba perfectamente en activo creando y enseñando.

Un rasgo de su ternura y gran sensibilidad con los demás (a los que sabía iba a afectar su decisión) es la nota que le dejó a Juanita -la mujer que durante los últimos años le había atendido a él y a su casa- en la que le pedía disculpas "por el gran disgusto que le iba a causar".

Durante la entrevista me informó -sin, por supuesto, hacerme partícipe de su decisión- de sus últimas gestiones para que todos sus asuntos quedaran bajo control y en orden. Por ejemplo, estaba ultimando detalles con la Universidad de Yale a la que iba a donar su correspondencia con el escritor Thorton Wilder: 150 cartas desde el año 1942 al 1973 (dos años antes de la muerte de Wilder). También estaba concluyendo la redacción de una obra de teatro: "Don Quixote of Denmark Hill", cuyo protagonista es el escritor John Ruskin.

Y, por otra parte, otro de los puntales de su vida, que era la enseñanza de dramaturgia en el Laboratorio de Teatro que él fundó. Durante la citada entrevista, me informó que en el curso que iba a comenzar iba a estudiar "Tío Vania". Con ésta obra, me dijo, iba a cerrar un círculo puesto que fue la obra con la que consiguió su primer gran éxito. Efectivamente impartió el curso y poco después nos dejó.

Debido a su personalidad, carente de todo afán de notoriedad, su labor no ha tenido la gran difusión que debería haber tenido. Sirva este artículo para recordarle con todo mi cariño y para que todas la personas que no han tenido noticia de su labor y de su persona la tengan, puesto que su contribución al desarrollo del teatro en España es evidente en el buen hacer de los profesionales que fueron alumnos suyos.

William Layton fue autor, actor, director teatral y maestro de los mejores actores y directores españoles de este momento. Nombraba con cariño a actores y directores que se formaron con él y que realizan con éxito y reconocimiento diferentes funciones en el mundo de la escena como Juanjo Puigcorbé, José Pedro Carrión, Chema Muñoz, Ana Belén, San Segundo, Juan Margallo, José Carlos Plaza, Nuria Gallardo, Alfredo Simón, Carlos Hipólito, Enriqueta Carballeira, Juan Pastor, Amparo Pascual, Antonio Valero, Carmen Elías, Julieta Serrano, Ana Marzoa, Berta Riaza, etc. También recordó a personas que han contribuido al desarrollo del teatro en este país como Vicuña o Juliá, y que continúan trabajando por ello, como es el caso del coreógrafo y maestro de movimiento escénico, Arnold Taraborrelli.

Norteamericano de nacimiento, residía en España desde los años sesenta. Recibió numerosos premios por su labor, entre ellos, el de Mejor Director del Año, Espectador y la Crítica, Radio Juventud, Diario Pueblo, Premio Dédalo, 1990, Diario 16. Y, en febrero de 1989, recibía de manos del Rey don Juan Carlos de Borbón la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Toda una vida dedicada al teatro antecede a ese momento. A continuación haré un esbozo de lo que él me contó fue a grandes rasgos su vida y evolución profesional.

William Layton nace en Kansas City, Estados Unidos. Viaja a Nueva York donde comienza su preparación como actor y realiza sus primeros trabajos. Irrumpe en su cotidianeidad la II Guerra Mundial, lo que hace que durante cuatro años pertenezca a la Infantería de Marina de los Estados Unidos. La explosión cercana de una bomba le producirá una sordera con la que vivirá el resto de su vida.

Al volver a Nueva York reanuda su labor como profesor en la American Academy of Dramatic Art y en la escuela para veteranos de guerra (American Theatre Wing). Trabajó como actor en diversos montajes teatrales como, "Command Decision", "The Duchess of Malfi", "The Man who Came to Dinner" y "The Glass Menagerie". Durante este tiempo conoce en Nueva York a Agustín Penón. Este encuentro marcará la futura vida de William Layton ya que será la persona que hace nacer su interés por la cultura española. Agustín Penón adoptó la nacionalidad norteamericana e ingresó en el ejército en 1945.

Posteriormente, Layton y él colaboran en la realización de una radionovela para la compañía de cereales "Quaker Oats", que se llamó "Don quáquero". Con ella recorren juntos durante cinco años Sudamérica y Penón tiene la oportunidad de transmitir a Layton su fascinación por el personaje de García Lorca y por la cultura española.

Tras su regreso a Nueva York, Layton no acaba de integrarse en la vida neoyorkina. Los efectos de la Segunda Guerra no habían llegado a esa ciudad y él estaba muy directamente afectado por su reciente vivencia de la misma. Entonces, aparece otro gran hombre que influirá en la vida de Layton: el escritor Thorton Wilder, que le invita a formar parte de su obra "Our Town" en Londres, para que se aleje durante un tiempo de Nueva York.

En 1955, por otra parte, Agustín Penón viene a España y comienza sus investigaciones sobre Lorca y las circunstancias de su muerte. Convence a Layton para que visite Granada y, a partir de ese momento, comienza su interés por nuestro país a donde acabó trasladando su residencia.

Durante algún tiempo alterna sus estancias en Madrid y Nueva York, hasta que se instala aquí definitivamente. En octubre de 1960 se funda el Teatro Estudio de Madrid (TEM) en el cual, junto con Miguel Narros, imparte clases. También estuvo presente en la fundación del Teatro Estudio Independiente (TEI), el Pequeño Teatro y el Teatro Estable Castellano (TEC). Conoce también en esa etapa a Germán Bonín, entonces director de la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), que le invitó a trabajar con él en Barcelona, en el Instituto de Teatro donde conoció a Fabiá Puigcerver, hombre de gran prestigio en la escena catalana.

En 1976 Agustín Penón muere en Costa Rica, dejando como depositario de su archivo a William Layton. De su colaboración con el escritor Ian Gibson nació el libro "Agustín Penón. Diario de una búsqueda lorquiana (1955-56)".

En cuanto a sus trabajos de dirección en Madrid, su mayor éxito fue el montaje de "Tío Vania" de Antón Chéjov con la Compañía de Teatro Estable Castellano (TEC). También la obra de Edward Albee "Historia del Zoo", que dirige en tres ocasiones a lo largo de su vida: 1963, 1971 y, finalmente en 1991, con los actores José Pedro Carrión y Chema Muñoz, en el Teatro Nacional María Guerrero.

En 1989, un mes antes de recibir la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, estrena en el Teatro Español "Largo viaje hacia la noche". El codirector fue Miguel Narros y fue un gran éxito. También lo fue "Cero transparente" de Alfonso Vallejo, autor por el que sentía una especial admiración.

A estos montajes les sigue una serie de colaboraciones con el que fuera su alumno José Carlos Plaza durante el periodo en que éste dirigió el Centro Dramático Nacional, entre ellas: "Hamlet", "La Orestiada" y "El mercader de Venecia".

Funda en Madrid el William Layton Laboratorio de Teatro, donde, como decía, se han formado buena parte de los mejores actores y directores que actualmente tenemos.

En 1990 publica su libro "¿Por qué? Trampolín del actor". Siempre que se preguntaba al Sr. Layton por su obra éste esquivaba la respuesta y la dejaba en manos de los críticos. En esta ocasión también lo hizo y me remitió al crítico Angel Fernández Santos que, en la revista "Primer Acto", en abril de 1992, hacía un artículo respecto al libro. "Hay muchos entrelineados en este mágico librito donde un viejo hombre de escena indaga en la delicada alquimia suicida de la técnica de actuación: suicida porque sólo se afirma para poder negarse, porque se trata de una técnica cuya verdadera posesión sólo tiene lugar cuando desaparece como tal técnica y entra a formar parte del transparente entramado de la memoria no aprendida de quienes aprenden".

Decía Layton: "Para mí el teatro es experimentación, colaboración, lectura, búsqueda del concepto. No "ensayar" sino jugar, experimentar, probar cosas en función de la realidad artística que se va creando". "Yo voy a ensayos pero no a estrenos. Asisto a la función varias veces la primera semana para dar notas a los actores, después voy con menos frecuencia. La mejor función ha de ser la última".

Apoyaba la fórmula de teatro estable al estilo de la Comedie Franccaise y el National Theatre en Inglaterra porque permite trabajar con un número reducido de actores, lo que facilita la creación artística y es enriquecedor para el espectador ver al mismo actor haciendo personajes completamente diferentes, aunque, por otra parte, las subvenciones estatales le parecían un peligro por lo que puedan tener de acomodaticio en las personas que se benefician de ellas. Creía en la motivación que da el tener que ganar el dinero por uno mismo.

Sirva este artículo para recordar al maestro Layton que sigue vivo en la memoria y el trabajo de tantos de nosotros."

In memoriam. William Layton. Revista Babab, nº 00. Año 2000

Teatro en Periodismohumano.com

(Foto de Javier Bauluz: Quilombagem, un canto a la resistencia frente a la esclavitud.)

Unos amigos acaban de lanzar un nuevo medio. Se llama Periodismo Humano y no es como los demás, aquí hablan de cosas justas, con sentido, con pureza, de cosas realmente interesantes, de lo que de verdad pasa en el mundo y cerca de ti.

Ayer a una buena amiga que trabaja ahí, Jessica Romero, coordinadora de la sección Culturas, como no podía ser de otra manera, se le ocurrió remover un poco las herramientas 2.0 y agitar sus contenidos haciendo que por una vez habláramos de teatro. Y digo por una vez porque yo, usuaria de Twitter, he afirmado que en este tipo de redes sociales quien habla de teatro casi nunca es respondido.

Pero gracias a la iniciativa de Jessi quizás esto cambie. Ayer, en Facebook se recogieron muchísimos comentarios y mediante twitter muchos de nosotros apuntamos frases, autores, obras que nos gustan, unificándolo todo con la hashtag #twiteatro.

Os dejo con el post-resumen que ya han publicado hoy, empieza así:

En Twitter y Facebook sí se habla de teatro

El ambiente se puede cortar con un cuchillo. Quien lo ha probado alguna vez repite, da igual en qué rol. El teatro es proceso, va más allá de ser actor, dramaturgo, director, público… porque todos tienen un papel asignado en el momento de la acción. El teatro es sociedad, creación, política y entretenimiento. Es global.
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Pornografiando

Cuando volví este verano no sabía que iba a hacer tantas cosas. Una de ellas, una de las más importantes, es que vuelvo a hacer teatro. Después de algunos años sin hacerlo y algún proyecto que salió rana la compañía BLABLABLA me ha brindado una oportunidad.

Dentro de poco estrenamos Pornografía, escrita y dirigida por Antonio Rincón-Cano.

Pornografía cuenta la historia de 6 personajes que se cruzan para llevar a cabo entre ellos un encuentro sexual. Las razones que les llevan a encontrarse parecen diferentes pero en realidad solo existe una, huyen de la soledad. BLABLABLA apuesta con esta obra por un teatro de texto, de personajes, de espacios vacíos y comienza a investigar en nuevos lenguajes escénicos para la compañía y su joven director. En su quinto aniversario, BLABLABLA vuelve a apostar por un elenco de jóvenes actores andaluces, motivo por el que volverá a pasar por segundo año consecutivo por la octava muestra El Teatro que Viene. Los días 19 y 20 de marzo tendrá lugar en la Sala Fli (Los Ulen) su estreno comercial.

Más info sobre el texto, las actuaciones, etc en el blog del montaje: ciablablabla.blogspot.com